Hace poco te explicamos en qué consisten la edición y el montaje y cómo especializarte con nuestro máster de FX ANIMATION. El trabajo de montador es clave para una pieza audiovisual y permite al profesional desplegar toda su creatividad, así como su técnica y conocimientos.
Puedes saber más sobre todo ello siguiendo el enlace a nuestro anterior post: en esta ocasión, queremos que veas toda su importancia a través de algunos hitos del cine que están marcados por el trabajo del montador o editor.
Para contemplar también la evolución de la edición y el montaje a través de la historia del cine, hemos seleccionado una película por década desde los años 1920s. Así que, si estás interesado en esta fase clave de la producción audiovisual, ¡sigue leyendo!
10 películas que brillaron por su edición y montaje a través de las décadas
1920s: El hombre de la cámara (Chelovek s kino-apparatom, dirigida por Dziga Vértov y editada por Yelizaveta Svílova, 1929). La obra culmen de un auténtico pionero del montaje, caracterizada por un ritmo vertiginoso que exploró recursos nunca vistos (o utilizados así) hasta entonces: cortes de salto, continuidad, fotogramas congelados, metraje al revés, stop-motion, cámara rápida y lenta o pantallas partidas. Cine soviético de vanguardia que abrió nuevas formas de expresión y que ha sido reivindicado con fuerza los últimos años.
1930s: El triunfo de la voluntad (Triumph des Willens, dirigida y editada por Leni Riefenstahl, 1935). La gran película de la propaganda nacionalsocialista con 60 horas filmadas durante el Congreso de Nuremberg de 1934 condensadas en menos de 2 horas durante un proceso de montaje de 5 meses. Con intención de apariencia documental, Riefenstahl utilizó todos los medios a su disposición (escenarios creados por Albert Speer, cámaras, figurantes, entre otros) y los introdujo con una edición vibrante que arranca con el seguimiento del descenso del avión de Hitler en Nuremberg. Sigue marcando la forma en que vemos el nazismo y la representación del mal en el cine.
1940s: Ciudadano Kane (Citizen Kane, dirigida por Orson Welles, editada por Robert Wise, 1941). Si está considerada una de las mejores películas de la historia es, en buena medida, gracias a su innovador discurso narrativo creado con el montaje. El uso del flashback para contar la historia, el choque del espacio-tiempo en una misma secuencia y escenas como la narración del primer matrimonio de Kane a través de 16 años de desayunos o su vida a través de los periódicos (creada a partir de 127 clips diferentes) la convirtieron en el inicio de una nueva época para Hollywood llena de posibilidades narrativas.
1950s: Los siete samuráis (Shichinin no samurai, dirigida y editada por Akira Kurosawa, 1954). Las secuencias de batallas, como el final de la película, demuestran la maestría absoluta de Kurosawa en el montaje: agilidad, combinación de velocidad y pausas, gusto estético y capacidad narrativa con la que el espectador es capaz de comprender todo lo que ocurre. Uno de los secretos de Kurosawa es que, tras un día de rodaje, era capaz de editar todo el material filmado y plasmar toda esa energía en su obra.
1960s: Bonnie y Clyde (Bonnie and Clyde, dirigida por Arthur Penn y editada por Dede Allen, 1967). En una década marcada por obras maestras del montaje, Bonnie y Clyde destaca por su uso del contraste: la contraposición de planos y escenas logran crear atmósferas encontradas, con momentos para el humor o el romance pero siempre con la tensión al acecho. La escena final es un clásico del cine gracias a la utilización de cámaras rodando a distintas velocidades, mezcladas en la sala de montaje para desembocar en el destino fatal de los protagonistas.
1970s: El Padrino (The Godfather, dirigida por Francis Ford Coppola, editada por William Reynolds y Peter Zinner, 1972). Uno de los secretos del primer film sobre los Corleone es su montaje, capaz de transcurrir calmado pero con momentos trepidantes, reflejando la búsqueda de un equilibrio de la Familia a partir de la violencia. No hay cortes bruscos entre escenas, sino transiciones en que se superponen imágenes, dejando respirar al espectador. El punto culminante de la película y su montaje es el bautizo: dos escenas que suceden a la vez se cruzan, yuxtaponiendo la renuncia a Satanás de Michael al mismo tiempo que la Familia ejecuta sus órdenes.
1980s: Toro salvaje (Raging Bull, dirigida por Martin Scorsese y editada por Thelma Schoonmaker, 1980). La película entra en la narración como si de un documental sobre el boxeo se tratara, con cámaras subjetivas pioneras que utilizan distintas velocidades y combinan distintos planos: cerrados para ver todo lo que los golpes implican, abiertos para entender el combate, ángulos inclinados o 360º. Lo más sorprendente es que los ocho combates solo duran 10 minutos dentro de los 129 del total, pero impregnan todo el tono de la película.
1990s: JFK: Caso abierto (JFK, dirigida por Oliver Stone, editada por Joe Hutshing y Pietro Scalia, 1991). Este thriller de tono documental sobre el magnicidio de John F. Kennedy ganó el Óscar a mejor montaje gracias a sus innovadoras técnicas: cortes rápidos y combinación de filmaciones muy diversas, desde noticias de televisión reales a recreaciones, fotografías, formatos distintos o uso de maquetas. El resultado es un puzzle magnífico con el culmen en el juicio, que finaliza con una llamada al espectador para que se cuestione las posibles conspiraciones que rodean a Lee Harvey Oswald.
2000s: Réquiem por un sueño (Requiem for a Dream, dirigida por Darren Aronofsky, editada por Jay Rabinowitz, 2000). Este alegato antidrogas consigue, a través de su vibrante montaje (más de 2000 cortes, frente a los 600 habituales en el cine), transmitir al espectador todas las emociones de sus protagonistas. Su edición original, rápida e inventivos jump-cuts (saltos inmediatos temporales sin cambiar escenario ni plano) recibió el nombre de hip-hop montage. Aronofsky también aprovechó los recursos de pantalla partida, cortes de planos muy cerrados o distorsiones para crear una de las obras más influyentes de las últimas dos décadas.
2010s: Origen (Inception, dirigida por Christopher Nolan, editada por Lee Smith). Una de las ediciones cinematográficas más sorprendentes e innovadoras gracias a su cronología no lineal, elegantes cortes simples y uso del montaje en paralelo, técnicas que Nolan ya exploró en Memento (ausente en esta lista pero que debe ser señalada). Toda la complejidad de las múltiples capas oníricas de la historia encuentran sentido para el espectador a través de una edición magistral, capaz de mezclar escenas aceleradas con slow motion sin ser brusco y de ordenar una película que podría haber sido incomprensible sin el trabajo en la sala de montaje.
Como has visto a lo largo de estas 10 películas, la edición y el montaje es una fase crucial para todo proyecto audiovisual. Se trata de un proceso creativo capaz de llevar a un film a ser considerado una obra maestra.
Si quieres especializarte en este campo y demostrar tu talento y creatividad, el 4 de marzo comienza el Master Profesional en Edición y Montaje Audiovisual. Sigue el enlace para obtener más información y ponte en contacto con nosotros: ¡el curso comienza en pocos días!