Cuenta con el trabajo técnico de FX ANIMATION
Los tiempos han cambiado y ahora no concebimos las ilustraciones fuera del ámbito tridimensional. Por ello, Ernesto Padrón, director y guionista de la película cubana “Meñique”, nominada a los Goya 2015, como “Mejor Película de Animación”, no dudó en contar esta revisión del clásico “Pulgarcito” con animación en 3D, respaldado por los estudios gallegos Ficción Producciones y como no, por FX ANIMATION. De esta manera, Xes Vilà, director técnico de la escuela, se ha responsabilizado del desarrollo técnico del film creando un pipeline innovador. Y, Xavier Planas, alumni de FX ANIMATION, ha trabajado en la iluminación y la composición de los entornos que describen visualmente esta nueva versión del clásico. Entrevistamos a Xavier, un Digital Artist que está triunfando en el mundo laboral para que nos explique su experiencia en este film.
¿Cuál ha sido tu rol dentro del equipo técnico?
Principalmente, he trabajado en la iluminación 3D y la pre composición de los entornos o sets de la película Meñique, en Ficción Producciones. En los últimos meses del proyecto, participé en la iluminación de algunos shots, tareas de render y composición.
https://youtu.be/9bo5hrRPUCI
¿Qué planos/secuencias han resultado más difíciles a nivel de realización técnica y cómo se han resuelto?
Cada secuencia ha tenido su grado de dificultad, en menor o mayor medida. Hay bastantes planos donde aparecían multitudes o al menos más de 5 personajes, e implicaba vigilar con la iluminación y cómo afectaba a los shaders de piel para evitar flickeos en el caché de la Final Gather. También sets con vegetación instanciada, que tuvimos que renderizar excepcionalmente con la versión 11.5 de LightWave, ya que empezamos el proyecto con la 11 y tardaba más en calcular la radiosidad de las instancias que añadiendo geometría en el layout (se solucionó con la 11.5). También trabajé en una secuencia en la que había una inundación y, a nivel de composición, el render del agua se tenía que trabajar a fondo para integrarlo bien con la iluminación de los sets y enmascarar capas de refracción y especulares para añadir detalle a los fluidos. Estos son algunos ejemplos con los que lidié más directamente, pero Borja Abeijón (jefe de producción) y Bruno López (supervisor y director técnico) coordinaron y resolvieron estas incidencias, junto a otros miembros del equipo, para ser resolutivos y eficaces con el pipeline.
Explícanos cuál es tu formación.
Soy licenciado en Comunicación Audiovisual por la Universidad Pompeu Fabra. Y luego cursé el máster en 3D y postproducción en FX ANIMATION. Suena a cliché pero ver Jurassic Park en la gran pantalla, entre otras cosas, hizo que a los ocho años empezara a ver el cine de otra manera. En la universidad, amplié mi espectro de películas y corrientes estéticas: Griffith, Eisenstein, Méliès, el expresionismo alemán, Welles, Hitchcock, la Nouvelle Vague, el humor de Keaton y Chaplin, la fotografía, la influencia del lenguaje del cómic, el trazo experimental lynchiano… Aprendí cómo transferir ideas minimalistas en imágenes y darles un nuevo sentido a través de una historia y un punto de vista que apelara y cuestionara al espectador. Y eso me llevó a querer usar imágenes sintéticas para potenciar y expandir estas posibilidades.
Un ex alumno trabajando en una producción cubano-gallega. ¿Cómo llegas a este punto?
Supongo que ha sido estar en el lugar y el momento oportunos y una dosis de suerte. Unos meses atrás, FX ANIMATION dio unas clases de formación de LightWave a miembros del equipo de Ficción. La productora necesitaba a un operador 3D que usara LightWave, la escuela les pasó mi contacto, les gustó mi demo y me sumé al equipo. Yo había trabajado en proyectos más publicitarios y corporativos, pero vi la oportunidad de probar algo diferente y seguir formándome (soy muy fan de las películas de animación y stop-motion). Mucha gente del equipo había estado trabajando en las productoras gallegas Bren Entertainment o Dygra Films y se conocían o habían coincidido en otros proyectos, mientras yo era un recién llegado de Barcelona. Pero conectamos muy bien y me sentí uno más desde el primer momento. Tuve que ponerme las pilas con el calendario e interiorizar el pipeline y su nomenclatura al principio, pero luego ya le fui cogiendo el tranquillo. Era cuestión de entrenar la vista para poder anticiparme a lo que cada plano de iluminación requería, dedicar unos minutos a plantear una estrategia inicial (qué luces utilizo, cómo afectarán a la textura y la geometría de algunos objetos, donde está el foco principal de luz, etc.) e ir añadiendo detalles cuando ya tenía una iluminación básica y funcional.
¿Qué te ha costado más en el desarrollo técnico de los planos?
La técnica se puede aprender y desarrollar con el trabajo día a día: qué propiedades tiene cada luz, cómo equilibrar calidad con tiempos de render, qué puedo conseguir con el 3D y qué tendré que dejar para la postproducción, etc. Desde mi punto de vista, el reto fue el desarrollo artístico de los planos. Mi trabajo consistía en trasladar la visión del director (representada por el concept de las localizaciones, la temperatura del color de la luz, la dirección y la intensidad de las sombras) a una iluminación que funcionara en una escena 3D con los mismos elementos. Cada set tenía unos matices de luz y color diferentes para añadir un nivel dramático o emocional a la escena y respaldar la historia. El director apostó por unos tonos muy coloristas y tropicales, luces volumétricas y muchas otras que perfilaran los contornos de los objetos para darles volumen y separarlos del fondo. Es decir, el objetivo era aproximarnos a esa visión con las directrices de nuestro supervisor técnico y la posterior aprobación del director.
¿Qué te hace sentir orgulloso de tu trabajo en este film?
Para mí, lo principal es poder trabajar en algo que me gusta y me hace feliz. Y si tengo la suerte de coincidir con buenos profesionales con los que puedo trabajar y aprender, ya es un privilegio. Además, he tenido la oportunidad de viajar tanto a Galicia, un lugar que me gustó cuando estuve en Mundos Digitales 2011 (me encanta la lluvia), como a Cuba. Trabajé de coordinador y profesor de iluminación en el Instituto Cubano del Arte e Industria Cinematográficos (ICAIC) durante siete semanas. Fue una experiencia estar en la Habana, conocer al equipo del ICAIC, conversar con el director, Ernesto Padrón, y el productor, Ariel Blanco, y tener algo de tiempo para hacer turismo. Comprobé que la arquitectura y el paisaje de allí están plasmados en la estética de la película.
¿Qué destacarías de tu formación en FX ANIMATION?
Me han proporcionado una base sólida para seguir creciendo profesionalmente. He aprendido 3D y postproducción (modelado, iluminación, texturizado, animación, composición, motion graphics). Pero, lógicamente, he de ir practicando y desarrollando estos conocimientos en función de las especificaciones concretas de cada proyecto. Este sector, como muchos otros, va cambiando día a día. Salen nuevas herramientas y tecnologías y has de estar informado, ya sea a través de colegas de trabajo, foros de internet y/o revistas especializadas. La formación no termina en la escuela, continúa y te especializas en el mundo laboral. A día de hoy, rara vez he encontrado un chroma o un clip para trackear que con dos clicks esté solucionado como en los ejercicios de clase o en los tutoriales de algunas webs. Acabas sorteando estos obstáculos y sigues formándote con esta base que tienes, curiosidad y horas de ensayo y error.
Cómo ves el panorama del 3D a nivel nacional e internacional?
A nivel nacional, el papel del generalista ha ganado peso: tener que unificar roles en proyectos con un tiempo y presupuesto más limitados que los de las grandes producciones internacionales. Si eres un artista que te gusta empezar y acabar un proyecto, abarcando todas sus fases, es una buena salida. Pero los estudios extranjeros buscan al especialista, es decir, un profesional de una rama concreta del 3D o 2D que pueda encajar en el equipo y focalizarse en un aspecto muy específico de una película, por ejemplo. Son proyectos más ambiciosos y con un acabado impresionante, pero con unos presupuestos, unos equipos y unas deadlines muy diferentes. Aún así, si vas a la feria del b’Ars o a Mundos Digitales, hay masterclasses interesantes y sesiones informativas con profesionales del sector cinematográfico y publicitario que explican anécdotas surgidas en los proyectos. Y anima bastante ver que gente que lleva más tiempo en este sector se enfreta a las mismas dificultades que tú cuando trabajas, pero a otra escala y con otros recursos. Es un acercamiento alentador.
¿Qué proyectos tienes a la vista?
Actualmente soy generalista 3D y compositor freelance. Lo compagino dando clases particulares de efectos visuales (lo considero una espiral de doble sentido porque el profesor enseña pero también acaba aprendiendo del alumno) y con proyectos personales (Midway y Dreamless) o de terceros. He trabajado de júnior 3D y montador en Custom Effects, compositor VFX en Dstk Design Studio para un corporativo de Dorna (MotoGP), y supervisor 3D en un proyecto de investigación sobre medicina molecular para el IRB Barcelona, entre otros lugares. También he participado en los efectos digitales de tráilers y cortometrajes (como Cargols!, seleccionado en la sección oficial del Festival de Sitges 2011), incluyendo la supervisión en el rodaje.
¿Qué opinas de los profesores de FX ANIMATION?
Recuerdo que un profesor que dio dos consejos al empezar: “practica y no intentes sacar nada a la primera porque te frustrarás” y “es preferible la flexibilidad a la inteligencia”. El 3D es una aproximación a la realidad, no la realidad en sí misma. Nunca alcanzarás la perfección, pero te acercarás si practicas, eres observador y vas añadiendo detalles y capas a tu trabajo. Eso se consigue con paciencia, perseverancia y muchas noches en vela delante del ordenador. Puede que tengas muchos conocimientos, pero te estás limitando si no eres capaz de canalizarlos en tu trabajo. Si sabes usar un programa de 3D, puedes aproximarte a otros para abrirte puertas. Simplemente es asociar las herramientas, seguir aprendiendo y ver qué ventajas e inconvenientes puede tener cada una en un proyecto, en función del tiempo, el presupuesto y el workflow dentro del equipo. Tener nociones de diferentes herramientas y técnicas te ayuda a adaptarte en el trabajo y optimizar calidad y tiempo, aunque siempre estará por encima la creatividad del artista. Creo que esos dos consejos me han ayudado a conformar mi actitud profesional actual. Estoy contento de profesores que tuve, como Óscar Palma y Javier Meroño (profesores de LightWave), y Toni Mena, Aurelio Pozas y Miguel Gómez (de Eyeon Fusion y NukeX). Ahora me toca continuar este camino por mi cuenta, pero lo divertido es que acabas encontrando gente y lugares interesantes, nuevos retos en cada proyecto y caras familiares.